学习奥尔夫教学法综述2

在体验中提升自我
　　第一阶段的学习主要是1、节奏训练（包括声势、卡农、奥尔夫打击乐器演奏技法等）德国国际奥尔夫基金会主席哈特曼先生授课。2、音乐游戏、舞蹈、音乐剧的学习。奥地利萨尔茨堡奥尔夫学院教授曼努艾拉授课。哈特曼先生上课的风格给我留下了深刻的印象：
　　他很少说话，一般都用手势。他后来解释说并不因为他是外教，而是不希望通过理论讲解来学习音乐，他希望我们更多地参与每一项内容的学习。另外，老师请两位同学（自愿）在上课记笔记，其他学员必须参与每一环节的活动，课后，他请记笔记的同学回忆上课的每一个环节，然后大家共同讨论每个环节中的一些问题和想法。记笔记的同学是自由轮换的，没有特别规定，每人都必须至少为大家服务一次。
　　这与我们以前的学习方式不同，每当老师讲课，我们就会看见下面“埋头苦干”的情景。如果拿别人的笔记复印，可能会被认为是偷懒，而哈特曼先生认为，尽可能在活动中去体验音乐学习过程中碰到的问题，并思索学生可能出现的情况，对一个音乐教师说是非常重要的，因为音乐必须通过体验才会真正习得；经过讨论，一方面实现资源共享，另一方面每个人都经过思考得到自己认为最有价值的内容，从而有效地提升自己的专业水平。
　　因为我们与上海音乐学院的学生分在一组，他们的节奏感、反应能力和协调性特别好，我们其他学员都感到压力很大。刚开始老怕出错，但老有错。但老师并没批评我们，而是注重在过程中培养我们对学习内容的兴趣和信心，渐渐地我们就融入到学习中了。
　　这与国内的教学观点有很大不同。人们通常认为，老师讲解后学生都搞懂了，教学任务和目的都达到了，这是一堂成功的课。对于如何是成功的课有很多成因，我们在此不做具体讨论，关键是如何面对没学会的学生。哈特曼先生认为：如果老师设计安排的内容，学生马上就学会，并不能完全体现教师的能力和水平；如果有个别学生不懂，则意味着你不能按常人所接受的方式去教，这促使你要更多地考虑如何转变自己教学的方法和手段，这很有挑战意义的。“教会别人比自己搞懂要难多了”。教师在不同的情景中积极解决不同的困难，自身的专业水平才会不断成长和提高。
　　当然，在德国都是小班化教学（一般20—30人左右），教师有足够的时间去等待学生，辅导同学，直至他们弄懂。而中国的情况要复杂多了，虽不能照般，我个人认为关于教学的思维方式，还是值得大家借鉴的。
　
　　在运动中创造自我
　　第二阶段学习增加了动作练习。教师是来自萨尔茨堡奥尔夫学院的舞蹈专家安吉拉。我想很多人和我一样，都曾经梦想自己拥有优美的舞姿，但因为缺乏训练和自信，上课时，经常会往后躲；当然也有特别“忘我”的同学，他们的动作常常是夸张的，引得旁听学员大笑。无论怎样，老师从来没有评价过我们的姿势，谁漂亮，谁不标准；也没有让我们模仿她的动作。通常她总是不断地给我们语言暗示，在音乐的伴奏下，让我们自己寻找动作的感觉，如在空间感练习中：让我们想象“自己是软壳蛋中的一只小鸡，想钻出来，慢慢地你钻出来了，你生长，你要占有这一块空间……”随着她的暗示，学员们不知不觉地开始手舞足蹈……一点心理负担也没有。当时，只觉得是件很容易、有趣的事。事后回忆，老师的教学似是无意，其实很有艺术性。
　　印象中国内的老师很唯美，总在想把学生训练成一个“舞蹈家”，怎样的姿势是好的，这当然无可厚非。但当你面对一个从来不会跳舞的学生，什么是更重要的呢？恐怕你对优美舞姿的要求会让他/她更没有信心学习了，因为他们认为这是高不可攀的。从放松学生的紧张心理，从开发学生的肢体运动感觉开始学习舞蹈，它的意义不仅仅是学习舞蹈，更重要的是在无意中，让学生充满兴趣、自然自信地进入舞蹈世界，慢慢体会在公众面前坦然地展示自己的快乐和满足，音乐教育的目的不就在此时此刻得以实现了？这也是奥尔夫原本性音乐教育的真正体现……始于人们自己的，自然的；属于你自己的，可以亲自参与并创作的。在学习过程中，每一个同学都按照自己的方式在做动作，千姿百态……
　　“教学不是告诉他到目的地，而是帮助他如何更快更好地到达目的地。”这又是令人深思的一种教学思维方式：我们往往忽视学生的学习起点，太多地从主观上去考虑他应该要达到什么目标的，而很少去观察学生他已经能做什么？需要的是什么？他离目标还有多远？怎样才能更快更好地达到目标？是学生苯？还是……
　
　　在合作中寻找自我
　　第三阶段的学习任务是排练音乐剧, 将我们自己创编的音乐剧作为师资培训的成果向全体学员汇报。
　　音乐剧的排练，不可否认，随着年龄的增长，我们的童趣逐渐被所谓的成熟取代，工作压力大——命令、服从，人们失去了自我，交往和沟通变得困难了。如何在一个陌生的环境中，尽快地找到自己位置，并建立良好的人际交往、协作关系。通过音乐剧的排练，不仅让我对奥尔夫音乐教学思想有了新的认识，并对上述问题的答案有了自己的想法：
　　老师给我们一个故事的文字资料（不是剧本），她让我们根据这个故事编排一个音乐剧，剧情可以根据需要略加修改。首先，老师和我们一起讨论这个故事的主要角色、所需音乐的类型、动作和舞蹈。然后让我们自己分组排练，没有指定谁该干什么，自由组合。开始，我们很纳闷，认为应该有个导演帮我们分工啊，谁演主角啊？谁跳舞啊？于是，有些人玩着乐器，有些人跳舞，还有些没事干的就干脆坐着聊天；奏乐的说：“你们舞蹈怎么跳啊，你们不排好，我们无法配乐！”跳舞的同学说：“我们的舞蹈要有音乐才能跳啊” ……大家互相扯皮,排音乐剧似乎有些不可能了。
　　下午，老师让每个组将已经排好的内容汇报给她看，我们只有将上午胡乱玩的一些内容展示出来，她没有评价，只是说：“那我们现在按照故事的发展，配合在一起吧，看哪里要协调”。奇怪的是，上午还在互相扯皮，当配合在一起时，有一个奏乐的同学突然来了灵感，他即兴创作了一支非常优美的旋律，这是舞者也就趁势跳了起来，一段剧情完成了，阶段性的成功让大家开始兴奋起来…..。
　　当讨论到某个角色的情绪，老师说：“灯塔工在大海边和海浪一起快乐地嬉戏，怎样表演才能体现这样的场景？”大家开始七嘴巴舌，“有一天，他觉得自己很孤单了，想找朋友，你们认为他的情绪怎样变化呢？”于是，主角（大家推选的）即兴谈了自己的感想：“灯塔工可以牵着海浪的手，一起跳舞；当他孤独时，他可以不理海浪，独自离去。”老师说“可以啊，试试吧”，其他同学也不断进行补充，在大家帮助下，人物形象就渐渐丰满起来。
　　有趣的是，一开始觉得没事干的同学，不知不觉中也找到了自己的位置，如：我不擅长舞蹈，乐器演奏又有足够多的人，因此我属于“无聊”者之一。这时，老师说需要一个旁白，且要用即兴的宣叙调唱出故事的引子。有同学尝试了，但效果不是很好。我想：总得有些事做吧！自己唱歌还可以，为何不试？没想到获得老师、同学的一致好评，我感到了从未有过成功感。
　　演出时，老师提醒我们，该做什么就负起自己的责任，做好一切准备。如演奏乐器的应放好乐器的位置，剧中人物的道具要落实，思想集中，随剧情发展按时出场。演出时，大家非常投入，都认真做好了自己的份内事，最后演出非常成功。才排练了一天半，真是不可思议！
　　音乐剧演得好坏不是最重要，重要的是在过程中每个人都主动参与，找到了自己的位置，将音乐、舞蹈、语言、戏剧等自然地融合在一起。联想日常生活中，我们往往习惯先明确任务、分工，然后再行动，而现在老师给我们时间和空间，在排练过程中学着寻找自己的位置，施展自己的长处；同时学会互相帮助、友好交流，和平相处。
　
　　回忆整个学习的过程，它带给我的不仅仅是教学的方法，更多是一种有效思维的方式，一条发现自我的途径，一份释放自我的快乐。音乐学习这样，其他学科不是这样吗？学习是这样，难道工作、生活不是这样？这就是奥尔夫给我的一切。